Actualizado: 19/08/2022 18:27
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Artes Plásticas

«En Arte Calle fuimos verdaderos rebeldes»

Ofill Echevarría, uno de los protagonistas del movimiento que sacudió el panorama cultural en los años ochenta. Ver galería.

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En sus experimentos o simples juegos con esas imágenes urbanas modernas, ¿qué busca?

Lo que busco es proponer un estilo, una estética y un concepto que invite al espectador a reflexionar sobre la vida moderna. También busco un acercamiento al espectador, y, por último, me preocupa que mi búsqueda sea si no coherente, por lo menos sugerente para el arte y para la vida.

La Habana, Ciudad México, Miami, Nueva York: cuatro lugares en los que usted ha residido por temporadas, más o menos largas a lo largo de su vida, cuatro modelos distintos de urbe. ¿Cómo cree que su estancia en cada una de estas cuatro ciudades ha influido en las diferentes etapas de su obra?


Soy una persona bastante cauta, y a menudo mis investigaciones (en varios campos) son las verdaderas responsables del resultado de mi obra. Por otra parte, no soy muy diferente de muchos artistas visuales, ya que todo lo que veo influye en lo que después propongo, visualmente hablando.

Creo que esta última etapa de mi carrera, la de Ofill como un pintor y además realista, esta relacionada básicamente con Nueva York, puesto que fue aquí, durante mi primera visita a Estados Unidos en el año 2000, que concreté mi proyecto. Después regresé otra vez a Ciudad de México, donde anteriormente había creado un pequeño grupo de obras con el tema de la vida en la ciudad, y comencé a hacer el tipo de obra con la que ahora se me identifica. Esa etapa duró año y medio, porque inmediatamente después me fui a pintar a Miami, donde también pasé una temporada. Creo que mantenerme en movimiento ha sido clave para mí, en la realización de mis pinturas en esta última etapa.

¿Cuánto de preconcepción, intuición y asimilación de experiencias hay en su obra?

Las urbes —según mi punto de vista— suelen ser bastante parecidas, a pesar de su historia o de su idiosincrasia, por eso trato de concebir temas universales, o de representar situaciones que a todos nos atañen. Mi proceso de trabajo podría entenderse más o menos así: asimilo experiencias. Después, mayormente por intuición, selecciono cuáles pudieran ser interesantes para representar, y posteriormente concibo proyectos que decido realizar a corto o a largo plazo.

En una obra tan obsesionada con la modernidad ¿hay espacio para la nostalgia?

En mi obra hay espacio para muchas cosas. Creo que está llena de nostalgia y de preocupaciones existenciales y, además, todo el tiempo invita a reflexionar. En inglés la palabra reflection significa tanto reflexión como reflejo. Lo que propongo en última instancia es abrir nuestras mentes a lo nuevo. Lo cual sería simplemente tener la mente abierta.

Cuando se ven sus cuadros en las distintas etapas creativas, se ve un contraste entre una preparatoria en la que hace amplio uso de la tecnología y una de elaboración que se va haciendo cada vez más artesanal. ¿Está consciente de este contraste? ¿Qué sentido cree que tiene para su propia obra?

Me considero un artista típico, y es bien sabido que los procesos creativos suelen ser de constantes idas y venidas, caídas y levantadas. He utilizado la tecnología en el pasado, siempre que me ha interesado, y ahora la estoy volviendo a utilizar. Por otra parte, cada vez que lo he sentido necesario, he sido un simple artesano en varios momentos de mi carrera. Siempre pienso que debo hacer lo que me exijan las circunstancias: así es como entiendo la vida.

¿Qué me puede decir de sus experiencias recientes con la fotografía? ¿Cómo la encaja dentro de su obra plástica?

Mis experiencias con la fotografía siempre fueron importantes, pero en esta última etapa es que podrían resultar más evidentes. En este momento, por ejemplo, fue un descubrimiento impresionante entender por qué el espectador aceptaba sin problemas la sensación de movimiento que proponen mis pinturas.

Utilizando la fotografía digital como modelo de realismo para mis pinturas, me percato que el efecto de movimiento, o el efecto de desenfoque que proponen, es la interpretación más cercana de una imagen real en movimiento. De hecho, no es así como el ojo humano percibe el movimiento: el ojo entiende y acepta el efecto de movimiento que propone la fotografía. Anteriormente captado por fotógrafos profesionales, el estado de una imagen en movimiento que hoy plantea la fotografía digital resulta más que sugerente, casi realista.

En mis pinturas este efecto lo he resuelto a mi manera, a sabiendas que gran parte del concepto visual de la nueva obra ya fue introducido por la nueva tecnología. Por eso sé que mi trabajo, hoy más que nunca, se encuentra vinculado a la tecnología y a la percepción del publico.

Háblenos de sus proyectos actuales, ¿qué planes tiene? ¿cómo y dónde imagina la próxima etapa de tu carrera?

Ahora mismo me encuentro en una etapa de búsqueda. Trabajo en temas nuevos para mi pintura y, además, estoy empezando a imprimir un grupo de fotos: una serie que he llamado Cradle of Life (El origen de la vida). La serie comenzó como pintura y se extendió a la fotografía. Seguramente será mi primer proyecto completamente neoyorquino, pero no te puedo decir nada al respecto: espero que sea una sorpresa para mí también.


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Identity, de Ofill Echevarría.Foto

Identity, de Ofill Echevarría.

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